Here,  in  the  double  portraits  of  the  Cuspinian’s  wedding  by  Lucas  Cranach  the  Elder,  there  is  full  of  symbols  of  symbolism.  As  a  humanist,  the  husband  worn  a  red  beret  alluded  his  identity  as  a  doctor,  and  the  parrot  to  in  the  rear  of  his  wife  also  echoed  the  bride 's  chastity  and  virtue  by  religious  associations.  The  water  appeared  in  the  center  of  the  picture  and  the  burning  jungle  behind,  represented  two  genders  and  harmonious  symbiosis  of  fire  and  water  to  describe  the  relationships  between  husband  and  wife  and  in  the  metaphor  of  Immaculate  advocated  by  Christianity.  The  owl  and  the  prey,  the  swan  and  the  eagle  on  the  top  of  the  picture  are  also  the  themes  that  humanist  scholars  love,  referring  to  courage  and  wisdom.  Apollo,  the  goddess  of  Muse  and  the  stars  that  represent  Epiphany,  interspersed  the  background.  These  mythical  figures  also  have  their  own  symbolic  meanings,  which  are  closely  combined  with  the  spiritual  melody  advocated  by  the  society  at  that  time.

The  process  of  interpreting  this  work  fascinates  me,  and  I  see  a  generality  across  culture,  as  I  understand  the  works  from  a  symbolic  point  of  view.  In  the  East,  a  lotus  leaf  and  a  bamboo,  also  has  its  specific  meaning,  not  only  the  representation  of  nature.  Especially  in  literary  works,  the  use  of  metaphor  to  innuendo  particular  information  is  everywhere.  The  act  of  giving  specific  meaning  through  figurative  or  abstract  symbols  runs  through  civilization,  and  it  also  includes  a  society  where  our  information  explode  and  entertaining  causes  death  today.  But  is  there  a  change  in  motivation?  Once  these  were  used  as  a  manifestation  of  power,  to  admonish  people  or  to  advocate  virtue,  what  consciousness  do  people  have  when  they  use  these  symbols  nowadays?  When  we  watch  historical  works,  because  of  lack  of  certain  background  knowledge,  those  symbols  that  were  obvious  at  that  time  may  have  only  decorative  effect.  But  even  with  abundant  historical  knowledge,  who  can  say  that  they  do  understand  these  works  correctly?  This  applies  not  only  to  the  west,  but  also  to  our  own  culture.  Legends,  strange  stories,  and  all  kinds  of  information  are  mixed  together.  Why  were  ancient  people  obsessed  with  painting  bamboo  and  drawing  mountains  and  waters?  Why  can  some  of  our  sculptures  find  references  in  Central  Asia?  Sometimes  the  process  is  more  attractive  than  the  conclusion.

Due  to  this  interest,  I  often  use  many  symbolic  elements  in  my  works  to  create  the  contents  of  a  picture  in  a  stacked  way.  Different  layers  integrate  together  in  a  transparent  overlay  and  spalling  to  get  organic  connections,  and  this  process  naturally  produces  an  effect,  which  relates  to  individual  and  the  overall.  This  is  a  process  of  communication,  and  I  have  designed  a  clue  to  be  interpreted  differently  by  the  audience.  The  expression  in  this  way,  a  large  amount  of  information  we  contact  every  day,  regardless  of  its  value  or  not,  and  emotional  changes  the  information  brings  as  well  as  changes  in  knowledge  level  can  all  be  originally  reflected  in  the  works,  while  my  unique  perspective  of  women  also  naturally  intertwine  in  the  works.  I  have  no  paper  drawing,  and  specifically  I  have  no  pencil  and  charcoal  tools  to  outline  the  general  composition  in  the  base  material.  The  setting  of  the  picture  is  an  ongoing  process,  loosely  outlining  approximate  location  and  contour  only  with  chalk  and  was  completely  swept  away  in  the  late  coloring.  After  completion  of  the  background  color,  I  use  chalk  to  loosely  mark  the  position  of  the  background  and  generally  mark  the  position  and  dynamic  of  figures  and  then  cover  them  when  finishing  the  painting.  Each  layer  is  operated  like  this  and  occasionally  there  are  a  couple  of  stronger  chalk  lines  left,  but  it  is  limited  to  this.  There  are  many  uncontrollable  factors  in  the  picture,  so  it  is  the  inevitable  to  re  adjust  the  composition  in  the  late  main.  Most  of  time,  I  have  to  spend  a  lot  of  time  with  my  favorite  details  covered,  but  this  is  not  the  thing,  after  all,  and  all  of  these  bases  are  to  serve  the  overall  content,  and  these  covered  parts  have  become  my  reservation  information  and  clues.

I  have  been  interested  in  the  artists  of  the  Northern  Renaissance,  such  as  Bosch,  Bruegel,  Lucas  Cranach,  Petrus  Christus  and  so  on.  In  particular,  Lucas  Cranach’s  exaggerate  character  expression,  the  use  of  lines  and  facial  treatment  of  almost  illustrations.  I  do  not  feel  that  I  am  estranged  from  his  works  for  centuries  but  very  familiar,  instead.  His  work  has  a  melancholy  temperament.  Although  the  human  body  violates  anatomy,  it  is  inexplicable  in  harmony  with  each  other,  which  is  an  extra  reference  for  my  creation.  The  process  of  trying  to  understand  the  Bosch  works  is  also  full  of  accidents  and  surprises,  combining  religious  reform,  geographical  discovery  and  language  evolution.

In  my  creation,  things  that  can  be  seen  everywhere  provide  a  lot  of  inspiration.  I  often  break  up  the  elements  of  plants,  animals,  bones  and  so  on,  and  even  make  abstract  generalizations  to  get  a  new  method  of  interpretation.  In  comparison  with  previous  years  when  I  may  still  be  exploring  the  stage  of  personal  language,  in  this  period,  I  am  relatively  quiet  and  have  a  clearer  direction  for  the  topics  I’m  interested  in.  The  process  is  not  easy,  and  today  I  still  keep  constantly  asking  myself  questions;  perhaps  it  is  also  the  pleasure  of  the  art  industry.

In  2017  I  went  to  Germany  when  Cassell  Literature  Exhibition  began.  It  became  bustling  in  this  small  town  that  ordinarily  is  visited  by  few  people.  The  streets  there  were  full  of  artistic  circles  of  pilgrims  and  sociality,  and  if  you  found  a  German  restaurant  for  dinner,  maybe  a  group  of  art  teachers  from  America  were  at  the  table  nearby  talked  with  eloquence;  behind  you,  some  Chinese  were  yelling  and  drinking  German  beer  with  a  plate  of  pork  elbow  full  of  grease.  Walking  the  streets,  perhaps  you  could  see  art  performance  on  a  corner,  so  lively.  Originally  I  intended  to  buy  a  two-day  ticket  to  satisfy  my  curiosity,  but  I  came  back  hometown  in  the  next  day.  There  is  no  doubt  that  I  have  seen  a  lot  of  the  works  of  my  own  interest,  but  in  a  certain  time,  I  had  a  very  impetuous  feeling  like  shopping  in  the  popular  tourist  attractions,  unable  to  stay  any  longer.

After  Basel,  I  returned  to  Munich  and  Berlin,  and  fortunately  I  enjoyed  myself  of  art  in  the  two  cities.  Around  Gemäldegalerie  in  Berlin,  there  is  a  collection  of  many  art  museums  from  classics  to  experiments.  As  for  Munich 's  Alte  Pinakothek,  I  felt  it  slowly  at  the  atmosphere  where  staff  is  much  more  than  the  audience  after  visiting  many  masterpieces,  which  is  the  feeling  never  before.  Soon  after  I  came  back,  I  started  Vanity  series.  The  reason  why  I  choose  this  word  as  the  name  of  this  series  is  its  relationship  with  vanitas.  Vanitas,  as  a  category  of  Western  still  life  painting  with  advisory  and  religious  functions,  I  feel  the  spiritual  meaning  it  conveys  has  something  in  common  with  our  Eastern  nihilism.  Compared  to  the  difference,  I  care  more  about  the  similarities,  and  starting  from  my  own  experience,  I  think  that  is  the  common  method  to  coexist  in  the  fierce  collision  of  different  culture.  Thinking  about  how  to  use  a  method  of  irony  and  approximately  joking  to  express  our  present  state,  the  element  balloon  goes  into  my  concerns:  it  is  playful,  light,  flashy,  but  also  extremely  unstable  that  cannot  withstand  a  single  blow.  The  next  is  to  determine  the  different  space  to  expand  the  composition,  and  finally  I  create  a  series  of  this  works  after  referring  to  traditional  and  abstract  generalizations  of  a  number  of  portraits.

In  other  group  of  works,  I  pay  more  attention  to  female  physical  characteristics  and  external  relations,  about  both  background  elements  and  endless  cycles.  For  example,  in  the  work   "Croquet ",  reproduction  and  elapse  are  tangled  in  plant  patterns  of  the  background,  while  in  Fig,  the  fig  tree  in  the  white  symmetry  background  is  implied  life  cycles.  I  want  to  convey  information  in  a  sensually  confused  form,  which  also  comes  from  my  own  physical  and  psychological  experience.  But  I  can 't  control  whether  the  information  resonates  with  the  audience.  A  series  of  small  events  in  the  past  two  years  are  the  causes  of  my  changes  at  the  surrounding  views.  The  future  is  uncertain  and  we  must  seize  the  moment,  which  particularly  I  shall  count  it  as  a  personal  favor.

People  who  engage  in  creation  would  struggle  with  their  works’  uniqueness.  In  my  opinion,  as  long  as  the  people  are  the  social  animals,  they  could  not  say  their  things  are  unique,  and  especially  in  the  visual  field,  it  must  be  accumulated  results  by  layers.  However,  everyone  is  unique  and  we  must  incorporate  our  own  experiences  and  feelings  in  the  process  of  exploration,  so  that’s  why  the  art  often  gets  newer  and  very  attractive.


Yan  Wei
February  2018